GIOVANNA CASSOTO

La sensualidad del talento

Desde Italia, cuna de nacimiento de bellezas icónicas del erotismo como Sofía Loren o Gina Lollobrigida, la dibujante Giovanna Casotto descolla como una de las grandes artistas del comic y la ilustración erótica.Fue posible establecer la comunicación con la sra. Casotto a través de las redes sociales -en las que ella misma afirma no sentirse totalmente a gusto- y proponerle esta entrevista fue algo incierto...pero la respuesta positiva regresó desde Europa en tono amable y bien predispuesta a responder con celeridad y franqueza.Está considerada como la primera dibujante erótica italiana. Tras cursar estudios en la Escuela de cómic de Milán, la autora comienza a publicar algunos relatos cortos de aventuras para L`Intrepido, aunque desde entonces orienta su carrera exclusivamente al erotismo, destacando sus numerosas colaboraciones en revistas eróticas italianas como Selen y Blue, publicaciones británicas como Desire o la revista española Kiss Comix. El erotismo de Giovanna Casotto, inspirado en los años 1950, está lleno de ironía y picardía. Sus ilustraciones y su trabajo fotográfico han sido objeto de numerosas exposiciones. Una mujer que reúne en ella sola todo el glamour, el saber hacer y la maestría que sólo atesoran los auténticos números uno. 

Fauna: Hubo mujeres que desafiaron estereotipos y prejuicios de su epóca, auténticas pioneras en todos los ámbitos en incursionar en profesiones "reservadas" para el género masculino...como la fotográfa Margaret Bourke -corresponsal en muchos confictos bélicos- o Alice Guy, la primera mujer directora de la historia del cine, también la modelo Pin-Up Bunny Yeager, quién luego se transformó en fotógrafa profesional y fue ella la encargada de plasmar algunas de las más icónicas imágenes de Bettie Page.

¿Usted asume su rol de pionera dentro de los comics y las ilustraciones porno-eróticas, una temática que fue vedada a la mujer por falsos pruritos?
Giovanna:No creo que pudiera definirme como pionera.No me gusta pensar en un mundo donde no hay absoluta libertad de expresión en la que creemos, sin que esto se considere como un acto pionero o un acto de coraje.Creo en la naturalidad.Me gustaba dibujar el cuerpo femenino en su desnudez y lo hice, desde los días de la escuela, sin preguntarme si yo fuera la primera o no.Planteo que no hay superestructuras de pensamiento, que trato de hacer lo que me gusta, en el respeto de los otros límites personales.

F:¿La visión y desarollo de una historia sobre una mujer es más estereotipada cuando la escribe y dibuja un hombre?

G:Yo no creo en los estereotipos "masculino" o "femenino".Creo en la sensibilidad estética y el gusto, no importa si una historia es imaginada por un hombre o una mujer.Cualquier hombre puede tener la sensibilidad para entender el punto de vista de una mujer, y cualquier mujer puede tratar de empatizar con las espectativas de un hombre, es una cuestión de sensibilidad y voluntad.El erotismo es muy sensual cuando se une a los dos puntos de vista, que, básicamente no están tan lejos.

F:Además de modelar como Pin-Up y ser fotógrafa ha logrado consolidarse profesionalmente como una artista de la ilustración y los comics,¿Existe una necesidad de no limitarse a una sola área expresiva y volcar su veta artística en distintas vertientes o responde más a ese llamado irracional que se abre paso como la naturaleza, sin pedir permiso?

G: No soy un pin-up. Siempre acabamos de plantear para mis dibujos, porque yo era un modelo a su disposición e incluso más barato! Es eso. Pero si me preguntas si me avvertissi la necesidad de experimentar con más "disciplina" contesto que sí. Me gusta usar todos los canales de expresión, tratando de personalizarlos al máximo. Por ejemplo, mi mayor pasión es coser la ropa que enfatizan la feminidad. Soy una excelente costurera, antes de ser diseñador y fotógrafo!

F:En las mujeres autoras de comics suele verse un sello autoreferencial en su obra,esta determinación no es tan frecuente en guionistas y dibujantes hombres...¿A qué atribuye esto?

Nos gustaría que nos cuente acerca de su elección de colores en combinación con negros y grises en sus comics,¿Es una paleta tonal enriquecida por su visión como fotógrafa?,Además de detalles como los labios, las uñas, la ropa cuando merece ser resaltada, también nos recuerda gratamente -con nostalgia-esos tonos saturados de los carteles (Billboards) de los años cincuenta.

JOSE MASSAROLI

Primera parte: Jineteando en cuadritos

Frío atardecer  en el barrio de Flores, casi tan frío como debió estar el cuchillo de Juan Moreira antes que la sangre ajena entibiase el acero desenvainado para desagraviar  alguna ofensa. La literatura y el cine lo inmortalizaron, pero también el noveno arte se encargó de plasmar su vida en cuadritos dibujados, y café mediante nos reunimos con José Massaroli , dibujante responsable de llevar la vida del polémico gaucho a la historieta.

FAUNA: ¿Se dice que este barrio de Flores fue la cuna de Juan Moreira,no?

MASSAROLI: Claro, es una de las teorías sobre su nacimiento, hay otras que dicen que nació en San Telmo o en Morón. O incluso en Galicia., que era gallego y lo trajeron de chico…pero a nosotros nos gusta más la versión de que nació acá, en flores.

FAUNA; Y además de Moreira también realizó historietas de Facundo Quiroga, Dorrego y la batalla de La vuelta de Obligado. Qué es lo que lo motiva a Ud. A incursionar  en biografías y hechos históricos?

M: Es una elección personal y a veces no tan conveniente económicamente. Pero hay otras cosas que influyen…cosas que a veces uno no las tiene tan claras. Haciendo memoria, yo te diría que el tema gauchesco comienza a gustarme desde las primeras historietas que leo.

.Un gran manejo de la composición de la escena

F: Y Ud. Al encarar estos proyectos, más allá de dibujar también asume un compromiso ideológico como artista, especialmente si no son redituables.

M: No son redituables lamentablemente… pero hay una visión, uno va descubriendo cosas nuevas, evolucionando. Como decía anteriormente, para cambiar esa imagen errónea que yo tenía de los mexicanos o de los Árabes en las historietas, me 

llevó un tiempo corregir ese pensamiento de quienes eran los buenos y los malos…que era al revés la cosa.

F: Oesterheld se refería a esa imagen impuesta en la cultura de masas, ese mensaje a veces encubierto y otras más explícito de que los imperios y conquistadores eran los “buenos” y quienes se negaban a ser dominados o esclavizados eran los “malos”.

M: Sí, Héctor Oesterheld contribuyó a que uno fuera cambiando esa visión tan al servicio del Imperio.

F: ¿Llegó a conocerlo personalmente a Oesterheld?

M: -Lo traté, pero poco….lo habré visto dos o tres veces en persona., me dio la impresión de que era un hombre bueno, me hacía acordar a mi abuelo. Yo era jovencito, estaba recién comenzando y a él lo veía casi  como un anciano.                                                                                        En realidad ahora me doy cuenta que él en esa época habrá tenido cincuenta y pico de años, no llegaba a los sesenta… ¡Era más joven de lo que soy yo ahora! - ¡Y yo no me considero un anciano, ja ja ja! - No alcanzamos a charlar demasiado…cosa que por supuesto me hubiera gustado.

F:¿Y con Wood?

M: Bueno, con Robin hemos charlado un poco más, pero tampoco demasiado. Tuve la suerte de que en mis comienzos en editorial Columba  al poco tiempo tener guiones de Héctor Oesterheld y de Robin Wood para dibujar. Más no podía pedir. Hice “3 Por la ley” y “Hakoon” de Oesterheld y de Robin “Denis Martin” Y unos 4 o 5 capítulos de “Grace Herichsen.” 

F: ¿Lápiz y tinta completos?

M:La cosa es así: yo empiezo a laburar como ayudante de Lito Fernández  y él tenía una forma de trabajar muy Sui Generis,muy propia, y es que confiaba el lápiz a gente como yo, a muchachos que empezaban o dibujantes que no tenían tanto trabajo ,muchísimos dibujantes han hecho esto con Lito Fernández.

F: Tenía una producción muy prolífica…Columba le pedía toneladas de historietas.

M: Sí, otros dibujantes lo que han hecho es poner “fabricas”, es decir tener grupos de ayudantes que les hacían los fondos, diagramaban y el dibujante estrella pasaba a tinta las caras, pero Lito no, él prefería darle el guion a otro dibujante  -como a mí cuando recién empezaba-  y el confía en que se lo dibuje a lápiz  y cuando se lo entrego lo mira, agarra el pincel …¡Y ahí se produce la magia! - De golpe, con una pincelada, lo convierte en un dibujo de él .Y a veces no era fácil, las páginas de Columba había que dibujarlas muy grandes y para mí era demasiado  espacio y dibujaba las figuras chiquitas., y Lito en dos patadas lo compensaba, con los blancos y negros.

Al poco tiempo me empecé a acostumbrar al espacio y le hice el lápiz de “Dennis Martin”,”Precinto  56”, etc.

En algunas de las historietas que están en “PRECINTO 56” que editó Record el lápiz es mío.

F: Entonces comenzar a publicar en ediciones RECORD es de la mano de Lito…

M: Sí, en 1975 fue un año en que se me abrieron todas las puertas, tal vez demasiado pronto, uno es joven y por ahí no termina de saber aprovecharlo. En la revista SKORPIO no lo aproveché, hice pocas historietas, seguí más bien con Columba y luego me fui también de ahí, termine yendo para otro lado.                   Un poco por no adaptarme a lo que exigía Columba, que era imitar a otro dibujante.

F: ¿Esto era una condición sine quua on, sin alternativa?

M: para el que empezaba era así, salvo que fueras un Picasso…un genio. Había una “troupe” de dibujantes, jóvenes pero consagrados, como Lito Fernández,Dalfiume.Lucho Olivera,Casalla…-En la editorial te los ponían como modelo,-te decían: “Ud. Elija,  pero a uno de estos tiene que imitar”-Obviamente, yo elegí imitar a Lito que era con el que estaba trabajando y era el estilo que me gustaba, emparentado con el estilo de Hugo Pratt, que siempre fue mi ídolo, mi modelo.

F: ¿De la escuela clásica norteamericana había alguno que admirase en particular?

M:- Lito tiene mucha influencia de Frank Robinns…

F: El dibujante de “JOHNNY HAZARD”, un clásico.

 M: Sí, un gran historietista Robbins, un manejo de la escena, del blanco y negro. Lito lo estudió muchísimo y yo también…Pratt  también está emparentado con esto, porque todo viene de Milton Cannif.

F: Cannif, el creador de “TERRY Y LOS PIRATAS”, maestro icónico idolatrado por dibujantes en todo el mundo.

M:Tal cual, es como una escuela, entonces yo me sentía cómodo con ese estilo ,pero llegó un momento, más o menos a los dos años de trabajar en Columba, en que me ponen entre la espada y la pared –“O sigue imitando o acá se termina”- y me fui.

F:-¿Eran inflexibles en cuanto a que se pudiese desarrollar un estilo propio?

M:Tenías que tener mucha paciencia, hablando con Presa, el director de arte (cuando me dan a elegir)  él me ayudó todo lo que pudo, ahora cuando llegamos a ese punto… ya no me podía ayudar más, dependía de mí.

Me dice Presa: “No, usted por lo menos dos años más va a tener que seguir imitando”- Y para mí dos años –yo tenía veintipico –eran una eternidad. “No….es demasiado”- dije-, y ahí es cuando me voy de Columba.

F: ¿De ahí pasa a hacer animación?

M: No, yo me voy de Columba en 1977 ,fíjate vos que es la época en que desaparece Oesterheld…Yo dibujé los últimos guiones que él escribió para “3 POR LA LEY”, y cuando se terminan estos guiones me dan dos o tres más de Guillermo Saccomano,que fue el continuó guionando un tiempo más esta serie. Por supuesto en ese entonces nadie sabía que había pasado con Oesterheld, que fue de él…                                                        

Y me voy de Columba  y comienzo a trabajar en la editorial MOPASA, que era la editorial “de paso”, muchos dibujantes que profesionalmente todavía no estaban para Columba, o que no encajaban ahí terminaban en Mopasa, ahí publico algunos trabajos, y de golpe engancho de hacer historietas policiales para Italia, para editorial Universo, y un poco después con la editorial Thompson de Inglaterra, a través de un agente.

F: ¿Y cuáles eran las diferencias de exigencia entre estas editoriales del exterior y las locales?

M: Bueno, exigencias en cuanto a calidad había en todas partes, pero diría que más todavía en las editoriales extranjeras. Sobre todo en la documentación…eran historietas sobre la segunda guerra mundial y tenías que tener una documentación perfecta, un fusil tenía que ser “ese” modelo, un avión japonés ZERO, o un SPITFIRE debían ser tal cual, tenían que ser exactamente lo que el guion te pedía, no podías macanear. En Columba por ahí sí se podía macanear un poco más, por la índole del trabajo, que era en base a producción.

F: Dos nombres también muy representativos del genero gauchesco: Carlos Roume y Magallanes .

M:  Roume un genio el tipo, un gran profesional.

F: Nadie mejor que él para dibujar tropillas a campo abierto.

M: Debe haber sido el mejor dibujante de caballos…no tiene sentido compararlos, pero los caballos de Casalla tienen una virtud: parecen estar vivos, galopando, transpirando, se mueven, dan esa sensación. Los de Roume tal vez dan otra sensación, la del caballo criollo, eso sí, espectaculares.        A Magallanes también lo conocí, lo vi bailando zamba alguna vez…era muy criollo, un buen dibujante gauchesco.

F: ¿Cómo fue su experiencia dando clases de historieta?

M: Lo mío fue un paso espóradico, más bien talleres sueltos, no he desarrollado una actividad docente importante.

F: ¿Y sus alumnos aspiraban a lograr un profesionalismo?

M: No, no tuve esa suerte, y eso es lo que me apartó de continuar enseñando. No encontré gente que quisiera lo mismo que yo cuando empecé…ser un historietista, dibujar historietas, mis alumnos eran gente que iba por curiosidad o por aprender algo, no con esa pasión que yo creo que al maestro lo incentiva, a uno como docente lo que le gusta es que el alumno tenga esa pasión por el dibujo, sin eso se pierde el interés por enseñar.

F: En las redes sociales como Facebook es notorio como han proliferado las páginas  de nuevos valores…chicos y chicas que publican sus historietas con dos grandes influencias; el comic de superhéroes y los mangas japoneses.

Pero en cuanto a grandes maestros del comic argentino hay un desconocimiento o una apatía hacia ellos …

M: Es una pena, porque la escuela argentina de la historieta es una de las más importantes del mundo, en todas partes los dibujantes argentinos son respetados, admirados y buscados. Yo he tenido la suerte de aprovechar eso, porque en determinado momento cuando Daniel Branca- que era un destacado dibujante del pato Donald en Europa- vuelve a la Argentina le encargan que consiga más dibujantes argentinos porque sabían que acá había muy buenos profesionales.

Ahí es donde se me abren las puertas para hacer el pato Donald para Europa. Esto ya es en la década del noventa, Branca se había ido con su pasador a tinta –Oscar Fernández- a España y estaban trabajando para una editorial de Dinamarca que tenía la representación de Disney en todo el norte de Europa.

F: Branca dibujaba “El mono relojero” para la revista Billiken y unas historietas de cowboys muy en el estilo de las animaciones de Chuck Jones para la Warner…Una línea muy estilizada.

M: Todo eso que él tenía le venía mucho de la animación…. lo volcó en el pato Donald y lo modernizó…tuvo un éxito tremendo el pato de la manera que lo dibujó él.

F: Es cierto que fue considerado el sucesor de CARL BARKS?   

          

 M: Muchos dibujantes así lo creíamos, otros tienen otras preferencias: DON ROSA ….Pero para mí al lado de Branca no hay otro, es más BARKS se lo mandó a decir –porque no se conocieron en persona- que él lo consideraba su sucesor…que Branca era quién mejor lo había hecho después de él.

ESQUILACHE EN XILBALBÁ

Exclusivo para Fauna de Grafito: Quique Alcatena -El hechicero de la imaginación sin fin- nos cuenta sobre su trabajo como autor integral en esta fascinante obra. 

   

   Siempre he disfrutado colaborar con guionistas.El intercambio de ideas que se da en la conjunción de dos mentes y dos sensibilidades enriquece la obra, siempre. Ricardo Barreiro, Gustavo Schimpp, Chuk Dickson, Alan Grant,, Robin Wood, ha sido un privilegio trabajar con cada uno de ellos. Y no concibo un futuro en el que deje de hacer historias con Eduardo Mazitelli, mi camarada de ruta desde hace treinta años.
Pero, de vez en cuando, me permito adoptar el avatar del “artista integral”.  Lo hice temprano en mi carrera, durante siete años para la revista “Anteojito”; para Francia, realicé “El Libro Secreto de Marco Polo, y “Dugong y Manatí” para Comic.Ar.  Actualmente, hago de las mías también en Tótem Comics, donde me siento a mis anchas con mis queridos superhéroes.  Y,  ahora, “Esquilache en Xibalbá”.

   Hace rato que le daba vueltas  en la cabeza a realizar algo con los mitos precolombinos, fundamentalmente los que tenían que ver con el Popol Vuh maya.  La idea original era directamente adaptar ese libro sagrado al medio de la historieta, pero luego preferí  encarar una línea narrativa que incluyera la presencia del hombre blanco y una historia alternativa de la América española (tengo una especial debilidad por las ucronías…).

   De entrada descarté ambientar los relatos en la época de la Conquista: ya lo habían hecho Trillo y Enrique Breccia en “Alvar Mayor”.  Opté por hacerlo en los tiempos virreinales tardíos, antes de los movimientos independentistas.   Es América virreinal… y no lo es. Diferentes son los nombres de  sus comarcas y regiones, diferentes son sus gentes y fauna: por ejemplo, los colosales mamíferos prehistóricos no se han extinguido.  En un episodio, nos encontramos con anacrónicos púgiles enmascarados…

   Esquilache es fundamentalmente un viajero y un cronista, que se asoma al misterio de un mundo diferente, que la mente europea no entiende del todo.  Xibalbá, el inframundo maya, no es el infierno cristiano, sino algo más ambiguo e inquietante.  Espero haber reflejado algo de eso en este puñado de relatos.     

Enrique Alcatena

ENRIQUE SÁNCHEZ ABULÍ

Jaque mate al tedio

 En alguna ocasión enfrentó en partidas simultaneas de ajedrez a 17 oponentes, resultando vencedor en la mayoría de ellas y dejando en claro que no era un neófito en este juego… Pero claro, él ya tenía la experiencia de –durante décadas- darle jaque mate al aburrimiento de los lectores con sus historias y personajes.
En el 2015 el Gran Premio del Salón del Comic de Barcelona fue el merecido reconocimiento a su trayectoria. Consolidado a nivel internacional como uno de los pilares del comic español y siendo uno de aquellos que vivieron y fueron protagonistas de la era dorada comiquera. Una epóca en la cual videojuegos y celulares no existían y la gran mayoría optaba por vivir su momento de esparcimiento leyendo comics y más comics.Hoy día, en esta modernidad de redes sociales donde la inmediatez parece esencial como el oxigeno, Abulí junto a otros creadores siguen empeñosamente dando a luz historietas que luchan con uñas y dientes en un mercado global drásticamente reducido. 

Mayo del 2015, España, en el festival GRANADA NOIR y en colaboración con el Salón del Comic de Granada, Enrique Sánchez Abulí enfrentando a 17 contrincantes simultáneamente. 13 Partidas ganadas,2 perdidas y 2 en tablas.

 Aquí no entramos en detalles sobre la gran cantidad de dibujantes con los que ha trabajado… preferimos dejar eso para un futuro cercano, y en esta nota acentuar más su relación profesional y de amistad con el dibujante argentino Osvaldo Viola (OSWAL) de quién Sánchez Abulí habla con gran cariño, recordándolo como un gran artista y amigo.

 Volviendo muy atrás en el tiempo. ¿Cómo fue la relación literaria Sánchez Pascual y el joven Abulí?

.- Yo seguí los pasos de mi padre, Enrique Sánchez Pascual, escritor, poeta, dramaturgo, guionista de cómics, entre otros oficios. Tuvo que trabajar duro y escribir como un forzado durante muchos años, tres, cuatro o cinco bolsilibros (novelitas de unas cien páginas) al mes. Cuando se tomó más tiempo, escribió novelas, cuentos y poesías notables, y ganó varios premios. Me siento orgulloso de él y sé todo lo que le debo.Aprendí el oficio a su lado, escribiendo las novelas que él me dictaba en un gramófono, y leyendo sus guiones de cómic. Me siento heredero de mi padre, por ser el único que ha seguido sus pasos de escritor.

Uno de sus primeros pasos los has dado en Toray. ¿Cómo fue ese comienzo?

.- Empecé a trabajar allí como mecanógrafo más que nada. Y fue en Toray donde escribí mis primeros guiones para “Hazañas Bélicas”. Eran historietas muy cortas, pero por desgracia no guardo ninguna de ellas.

Puedes contarnos sobre tu trabajo en Creepy, los que consideres tus obras mejor logradas (más allá del clásico "Torpedo 1936")

.- En Creepy se publicaron las primeras historietas de Torpedo, y también alguna historia de terror, aunque no sabría decirte con qué dibujante, y no sé qué más, porque la memoria me falla. Creo que fue en Comix Internacional donde se publicaron los relatos con Maroto que formaron el álbum de “Horóscopo”.

.- Con Esteban Maroto trabajé muy poco. Hicimos un álbum sobre los signos del zodíaco, y alguna que otra historieta corta. Fue allá en los ochenta, desde entonces ha llovido mucho. Luego nos perdimos de vista. Nos vimos alguna que otra vez en algún salón de la historieta.Era un buen amigo, de trato cordial.

F: En la historia "La carnada”...en su primera publicación fue un estilo más realista y a color...años después OSWAL utiliza una línea estilizada y en blanco y negro...en este caso pese a los años y el cambio de estilo grafico el tema conserva su frescura y originalidad... ¿Qué opinas como autor de la interpretación de uno y otro dibujante?

.A:- Es cierto que ambos dibujantes ilustraron “La carnada”. Y ambas interpretaciones me complacen...

 

“LA CARNADA” En la interpretación de Dick Matena,publicada en la revista “Creepy” # 50- (Toutain 1983)

 

La nueva versión en blanco y negro dibujada por Oswal y publicada en el álbum

“13 RELATOS NEGROS” –(Glénat 2003)

Me gustan ambas interpretaciones, si bien me siento más atraído por el dibujo del gran Oswal. La primera, la de Dick Matena, fue a color en una revista de Toutain. Por miedo a perderla, volví a escribirla para Oswal, pues deseaba tenerla en un álbum.

 Si me forzaran a elegir, me quedaría con la de Oswal, que es uno de mis dibujantes favoritos. Su blanco y negro me encanta. Y también el movimiento que imprime a los personajes, que en ocasiones parecen moverse por sí mismos.

F:Torpedo es tu personaje más reconocido... de tener la posibilidad de elegir una de sus creaciones que lograse la popularidad ante los lectores... sería éste o hubieses optado por otro?

.A:- Me hubiera gustado que algún otro de mis personajes fueran tan famosos como Torpedo, pero las cosas son como son. Torpedo ha acaparado el primer plano, dejando atrás a todos los demás.Yo no tenía ni tengo posibilidad de imponer uno de mis personajes a  los lectores. Fueron ellos quienes eligieron a Torpedo. Me hubiera gustado que “La nieve y el barro” gozara de una popularidad que no ha conseguido, pero no pudo ser, porque es el público el que tiene la última palabra.  
En una referencia humorística a la publicación del volumen integral de TORPEDO. Bromeabas diciendo que, por lo voluminoso, podía utilizarse de almohada. Pero si algo puede afirmarse, es que no dejan indiferente a nadie la irónica crudeza de esas historias.
¿Cómo se logra mantener esa coherencia narrativa sin caer en la tentación de hacer un poco más carismático al personaje para que agrade a los lectores?

¿Quién dice que Torpedo no es carismático pese a su crudeza? El humor que destilan la mayoría de las historietas lo vuelve simpático para muchos lectores. Si te refieres a mostrar su lado “bueno”, déjame decirte que eso es imposible. Torpedo es como es.¿Cómo más carismático? ¿No lo es bastante? ¿Quieres decir más simpático? ¿Acaso no agrada a los lectores tal como es? Si te refieres a que debe tener su corazoncito, por ejemplo para acompañar a una anciana a cruzar la calle o dar limosna a un pobre u obras de caridad por el estilo, te diré que estamos hablando de dos personas muy distintas. Para bien o para mal, sobre todo para mal, Torpedo es como es y no hay dios que lo cambie.

F: Sobre alguna censura ejercida en España y en algún otro país por algunas escenas de desnudos usted refutaba esas acciones declarando que se ejercía una doble moral. Para cierta gente es más destructivo un desnudo que las acciones belicas de los superheroes estadounidenses...

A:- Sí, esa doble moral es la vara de medir, junto con esa otra de “lo políticamente correcto”. Se censura el desnudo y sobre todo el sexo, mientras que se acepta una tremenda dosis de violencia. Así va el mundo.Por supuesto que sí. Lo tabú por encima de la sangre y los muertos es el sexo. Sobre todo el de los infantes. Mostrar  la sexualidad infantil en cualquier de sus vertientes está mal visto y suele censurarse y castigarse. Yo diría que el sexo es una asignatura pendiente, pero  que muy pendiente. De esas que hay que repetir en septiembre… de cada año.

F: En cuanto a artistas y estilos... ¿Qué tan determinante fue el aporte artístico que Qswal utilizo para plasmar gráficamente "LA NIEVE Y EL BARRO?

A: Ya he hablado de lo mucho que me gusta Oswal. Me siento muy satisfecho y orgulloso de que sea el dibujante de “La nieve y el barro”, historia que quería escribir desde hace tiempo y a la que dediqué varios años (no en escribirla, sino en planearla).Creo que es lo mejor que hemos hecho juntos Oswal y yo.El aporte artístico de Oswal fue fenomenal. Oswal es un maestro de maestros. Creo, y lo he dicho repetidas veces, que es nuestro mejor trabajo juntos, seguido de “13 Relatos Negros”.

"LA NIEVE Y EL BARRO" publicada por editorial Panini en Abril del 2013 - 144 páginas

Texto de contraportada: "Francia, finales del siglo XIV, cuando el país luchaba todavía contra Inglaterra en la conocida como Guerra de los Cien Años (que, en realidad, lo fue de 116 años). Allí, se cruzan varios personajes cuanto menos singulares. El conde René de Dubois, que vuelve a su castillo en compañía de un Obispo y del sirviente de éste, un tal Petit Ferré, que viaja con un loro a cuestas. Los aguerridos soldados Arnaud y Antoine, pura chusma ávida de sangre y sexo. Jerome Whitewash, que dice servir al rey inglés Ricardo II, un caballero de flamante armadura enloquecido por el tiempo y mil batallas, que desea recuperar a su viejo amor, Madeleine. Aube, una hermosa doncella, hija de Madeleine y de Jerome. Pan, la chica salvaje del bosque. Bruno el Herrero, antaño mudo, que recobra el habla al ver el origen de la vida. Los Routiers, mercenarios licenciados sin amo, que vagan por el campo y asaltan pequeñas poblaciones. Y están el vizconde y la condesa, esposa de Dubois. Todos ellos conforman una visión entre cruda, irónica, salvaje, despiadada y libertina del teatro de la vida."

 Por cierto que nuestro último trabajo no lo pudo acabar y ha quedado a medias. Se titula “Repóquer de damas”, y espero que un día no muy lejano salga a la luz, dedicado al maestro que ya no está entre nosotros.

 ¿Como ves el mercado de cómics, comparándolo con el auge de los 70?

.- No veo bien el mercado del cómic de hoy día, en primer lugar porque me falla la vista y en segundo lugar porque han desaparecido todas las revistas de cómics que en los ochenta circulaban por los quioscos. En aquel entonces se publicaba en una revista y posteriormente se recogían las historias en un álbum, lo que significa un doble pago. Y además había trabajo para todos.Ahora es muy diferente. Han desaparecido las numerosas revistas de cómic de los 70, cuyas  historias más interesantes se recogieron posteriormente en álbumes.Ahora lo que manda es el álbum o la saga de álbumes o la llamada novela gráfica.

Tus impresiones sobre el formato digital para los cómics.

.- Soy de la vieja escuela, y el formato digital me pilló con el pie cambiado, que suele decirse. Pero me parece bien. He visto trabajos digitales muy buenos. A mi modo de ver, lo que cuenta es el resultado final, tanto si se dibuja con el lápiz y el pincel como con el ordenador.Lo fundamental es que el cómic sea interesante no solo en su versión gráfica sino también en lo referente al guion. Si es digital o no, es secundario. En todo caso, no lo veo como un mal, sino como una aportación interesante y que goza del favor de los jóvenes ilustradores.

¿Se podría ayudar a mejorar el mercado; piensas que algo se está haciendo mal o no se está haciendo?

.- Me temo que al cómic de hoy le han salido una serie de rivales temibles, como los videojuegos, tan atractivos para los jóvenes. No es que esté reñido lo uno con lo otro, pero a la hora de elegir, los tebeos tienen todas las de perder.Esta pregunta deberías hacérsela a un editor, no a un guionista. Lo cierto es que la situación de los tebeos ha cambiado mucho desde la década de los setenta.

 ¿Por qué el fenómeno japonés de los Mangas y Animes han captado la atención del público de niños y jóvenes a nivel mundial, desplazando a otros autores?

.- Las mangas son los cómics japoneses que se han impuesto en casi todo el mundo. Algo tendrán cuando son tan exitosos. Han sabido captar el interés de muchos, que los prefieren a los tebeos occidentales. El llamado cómic europeo no interesa o interesa muy poco en Japón, mientras que el cómic nipón ha entrado con fuerza en todo el mundo, o casi. Y sigue gozando del favor del público.
También los cómics americanos gozan del favor de un público numeroso.

 En Argentina debido a la ausencia de editoriales donde publicar, los nuevos valores trabajan para el exterior… ¿En España ocurre algo similar?

-Todos sabemos de dibujantes y guionistas argentinos de muchísimo talento, tanto antes como ahora. Que trabajen para editoriales de otros países no es extraño. Lo mismo sucede en España. Los más afortunados de acá publican en Estados Unidos, Francia, Italia… Es difícil vivir de la historieta en España, y creo que está solo al alcance de unos pocos, entre los que no me cuento. Ahora bien, si en España es difícil vivir del tebeo, en Argentina, por lo que sé, es prácticamente imposible.

Considerando que revistas de aparición quincenal y mensual en Sudamérica y Europa desaparecieron….extinguiendo una continuidad de comunicación con el lector, ¿La novela gráfica o libro-álbum se presentan como la alternativa más potable para los profesionales del comic y quienes aspiren a serlo?

.- La novela gráfica o libro-álbum, como lo llamas, no deja de ser un cómic largo. Hay mangas japoneses de cientos de páginas. No sabría decirte a partir de cuántas páginas el cómic deja de ser tebeo y se convierte en novela gráfica. Cuando yo empecé, a principios de los ochenta, la novela gráfica no existía. Como mucho, estaba el famoso tebeo de “continuará”. Se diría que la novela gráfica es el cómic vestido de largo. También hay algo de esnobismo en el término “novela gráfica”. Es más fino y más ‘moderno’ decir “novela gráfica” que decir tebeo, como es más fino y más ‘moderno’ decir “Western” que historia del Oeste, o “Thriller” en vez de relato policiaco.Hay un proverbio que dice:  “Aunque la mona se vista de seda, mona se queda”.  Quiero decir con esto que el cómic, como casi todo en este mundo, está sujeto a la moda. Cuando yo era joven, no se conocía eso de la novela gráfica. Ahora, en cambio, se escriben novelas gráficas en todas partes. La novela gráfica no es sino un cómic largo que, bien mirado, es ideal para escribir una historia larga, que ahora están tan en boga. Pero como siempre, lo importante es que guste, que emocione, que atraiga y fascine por su dibujo e interese por lo que cuenta o por cómo lo cuenta.

Secuencias de suspenso en "EL BUITRE ES AVE DE PASO"

El guión de “Odio la luz al oido” escrita por Sánchez Abulí y como fue plasmada gráficamente por Oswal para el álbum “HISTORIAS TREMENDAS”.

 

En 1998 se publicó el album "SOMBRES DESTINS" editado por Albin Michel en idioma francés - 64 páginas blanco y negro

"ETRE OU PARAITRE" - Album SOMBRES DESTINS

"GARGOVILLE GOTHIQUE" - Album SOMBRES DESTINS

"EAU ME CHANTÉ" - Album SOMBRES DESTINS

De Oswal he hablado, hablo y hablaré. No solo era un gran dibujante y un gran hombre, sino también un gran amigo.No me canso de decir lo bueno que era no solo como dibujante, sino como persona. Me acuerdo mucho de él y echo de menos nuestras conversaciones por Skype, y también la vez aquella en que fui a visitarlo a Quilmes.Sigo echándole de menos.

DANIEL JORDAN y ELMO ROCKO

Buenos Aires, Argentina – Octubre 2016